4 lecciones de un set de filmación

Entonces, hemos llegado al final de nuestro viaje en la serie Dirección de Arte. Me gustaría dejarles a todos mis pensamientos sobre lo que pueden parecer prioridades poco probables en la industria actual impulsada por engranajes. He pasado mucho tiempo en sets de filmación, como miembro del equipo y también como observador, y he llegado a varias conclusiones que espero me proporcionen una idea de lo que más importa. Aquí están mis 4 lecciones de un set de filmación.

1. El aprendizaje es infinito y perpetuo

Con la abundancia y accesibilidad de la tecnología de cámaras moderna, cualquiera puede tomar una cámara y crear contenido. Si bien este es un momento increíblemente liberador, me temo que los aspectos más finos de perfeccionar el oficio se están perdiendo. "Poca luz" se ha convertido en una palabra de moda muy utilizada, y "resolución" parece ser lo único que importa. Con tantos cineastas jóvenes e increíblemente talentosos surgiendo en estos días, la escuela de cine, la etiqueta y el camino a través del sistema son menos relevantes de lo que solían ser. Internet está repleto de tutoriales disponibles para cualquiera con unos pocos clics del mouse. ¡Pero hay mucho más que aprender! Ciertamente no estoy diciendo que todo el mundo debería ir a la Escuela de Cine, ni mucho menos. Sin embargo, hay fundamentos en este oficio, que muchas veces damos por sentado, que sólo pueden transmitirse a través de un establecimiento lleno de tradición. Es vital que la generación más experimentada de directores y directores de fotografía transmita estas lecciones a la siguiente generación. Y es igualmente importante que todos estemos abiertos a escucharlas.

2. Gaste su presupuesto sabiamente

Para muchos aspirantes a directores, directores de fotografía y cineastas, la línea más importante en el presupuesto de una película también podría decir... ¡Gear Lust! Incluso en proyectos más pequeños, siempre existe la tentación de derrochar en la cámara más nueva con la resolución más alta, a menudo a expensas de cosas más intangibles como la dirección de arte. El argumento general es que los clientes son impresionables y será más probable que te contraten si llevas una cámara de cien mil dólares. Desafortunadamente, en la mayoría de los casos, no saben nada mejor. Por eso te emplean en primer lugar. Por el bien de los argumentos, considere esto... en lugar de adquirir una cámara costosa, gaste el presupuesto de su cámara en 2 o 3 (lo sé, tengan paciencia conmigo) cámaras más antiguas y asequibles que brinden una resolución razonable y un códec muy robusto. Hay muchos en el mercado si te tomas el tiempo de mirar. Dos o más cámaras le permiten obtener la máxima cobertura, invertir ángulos, capturar momentos en los que los actores improvisan, asignar más posiciones de cámara y brindarle una copia de seguridad. Pero lo importante aquí es asegurarse de tener un presupuesto para el diseño de escenografía, la dirección de arte y contratar a un técnico para administrar la iluminación. Como dije en artículos anteriores, la dirección de arte y el diseño de producción son recursos visuales invaluables. Incluso el propio John Seale ASC ACS mencionó la importancia de utilizar cámaras múltiples sólo si tus escenarios son "lo suficientemente hermosos" para filmar, pero primero debes entender cómo se crea ese "mundo".

3. Una herramienta es tan buena como la persona que la usa

Como mencioné antes, las experiencias que he tenido en el set han sido muy reveladoras. En casi todos ellos, los subdirectores, asistentes de cámara, gaffers, grips, diseñadores de producción y directores de arte hacen la mayor parte del trabajo pesado. Son ellos los que fortalecen la brillantez de un director talentoso y un director de fotografía armado. Selecciona a estos individuos cuidadosamente, muéstrales su papel en la producción y tendrás un set que funciona como un reloj.

4. No hay un "yo" en el equipo

Me desconcierta cómo muchos tipos creativos se atribuyen el mayor crédito por lo que a menudo es sólo un papel menor en la creación de una película. O al menos un papel que fue apoyado por muchos otros. Nunca lo olvides, detrás de cada gran cineasta hay un gran equipo y una letanía de personas que organizan la logística, los vehículos, el atrezzo, las rutinas y mucho más. Existe una diferencia entre un director de fotografía y uno de muchos operadores de cámara, pero ambos sirven para lograr un resultado universal. A menudo el director de fotografía se lleva todo el crédito y muchas veces he oído a un operador decir que era uno de tantos “directores de fotografía”. El asistente de dirección es el héroe anónimo del director, el jefe del director de fotografía, el director de arte del diseñador de producción, el boom swinger del sonidista y los chicos de Grip de todo el departamento de cámara... ya me entiendes. ¿Mi punto? No se trata de ti, es del colectivo. ***** ¡Lee el resto de la serie! Lea la Parte 1 aquí: Introducción Lea la Parte 2 aquí: ¿Qué es la dirección de arte? Lea la parte 3 aquí: 3 consejos de dirección de arte para producciones con un presupuesto limitado Lea la parte 4 aquí: Inspiración en novela gráfica: Frank Miller y Zack Snyder Lea la Parte 5 aquí: Lecciones de un Maestro – John Seale, ASC ACS